Bilde: Miles Aldridge
DCW: Bortsett fra byttet til digitalt, hvordan har fotografering endret seg siden du startet?
MA: Mange ting har endret seg siden jeg først tok et kamera for å bli profesjonell fotograf. Jeg skyter fortsatt på film, selv om jeg skal skyte på digital hvis det er en deal-breaker for en bestemt klient. Men en av de største endringene er at jeg jobber mye mindre med konvensjonell reklame, og jeg tror det har skjedd på grunn av veksten i sosiale medier.
Kundene som pleide å bruke budsjettene sine på store fotograferinger, vil nå bruke dette på en blanding av det og sosiale medier. Jeg tror de fleste er enige i at investeringen i reklamefotografering er - og jeg risikerer å gjette meg her - bare rundt 10% av hva den var for 20 år siden. Det er et helt annet landskap.
Da jeg begynte, var magasinene veldig livlige og spennende. Før internett hadde magasiner et virkelig kvelertak på forbrukeren, og det var en av de viktigste måtene å få budskapet ditt videre. Når internett tok av, og begynte å love klienter at det kunne fokusere målgruppen, og til og med gi tilbakemelding på hvor mange som så annonsene deres og så videre, ble forslaget om en magasinannonse mindre og mindre tiltalende. Selvfølgelig gjorde magasiner alt de kunne for å få annonsører tilbake, og tilbyr billigere og billigere priser, forestiller jeg meg. Nå er det ikke lenger den viktigste delen av noens reklamekampanje.
Da jeg begynte, var situasjonen klar: hvis du var en god redaksjonell fotograf, og du gjorde mange lederartikler for de riktige bladene - Vogues, og så videre - ville du få mange reklamekampanjer å skyte. Og pengene du tjente på reklamekampanjer, kunne også deretter brukes på å gjøre redaksjonene dine enda bedre fordi bladene ikke støttet fotografene. Det ville være et grunnleggende budsjett, men hvis du ville gjøre noe spesielt - som jeg alltid har gjort - må du betale for det selv.
Den slags dynamikk var der da jeg begynte, og det ble slik til internett ble etablert. Hvis du blar gjennom blader fra midten av nittitallet, ser du at annonsering er langt mer aggressiv, dristig og uvanlig. Jeg vil til og med si kunstnerisk. Nå ser reklamebilder ut som om de kan bli tatt av samme fotograf. Det er et slags grunnleggende krav nå å bare fotografere antrekket eller hva det enn er. Det er ingen reell interesse fra reklameklienten om å ha noe kunstnerisk, vil jeg si.
Tror du det er et element av at folk ikke ønsker å ta de samme risikoene som de pleide å gjøre?
Vel, de kan ikke. Jeg tror når bransjen er fylt av frykt - den ene lavkonjunkturen etter den andre, eller løftene fra internett om å gi disse merkene masse penger - blir den ganske hul. Frykten for at dette innpodet folk som investeres i disse prosjektene, får dem til å tenke at det kanskje ikke fungerer, så de bør ikke rote det opp, og det er derfor ikke verdt å risikere noe. Jeg tror når du er i en slik situasjon, vil det bare skape veldig, veldig kjedelig arbeid. Så ja, for å svare på spørsmålet ditt, tror jeg folk er livredde for å gjøre risikable eller interessante bilder.
Hvis du går 20 år tilbake i tid, var markedet ikke så globalt som det er nå, med det samme bildet som måtte appellere til et publikum i Saudi-Arabia eller India eller Afrika. Når publikummet ditt er så stort, har det den effekten at det fortynnes det som er akseptabelt fra et visuelt synspunkt. Det vi, eller jeg, synes er interessant i et bilde, fordi det er relatert til en film eller et teater der kulturelle referanser er veldig tydelige, kan det hende at noen i Saudi-Arabia ikke forstår det, og de kan bli fornærmet av det. Så annonsører må spille et forsiktig spill i det de viser.
"Jeg tror folk er livredde for å gjøre risikable eller interessante bilder."
Miles Aldridge
Noe av det som virkelig har endret seg siden jeg begynte å fotografere, er at reklamefotografering har blitt veldig uinteressant. Da jeg startet, var visse moteselskaper som Jil Sander det absolutte målet. Jil Sander ble sett på som det sixtinske kapell for motefotografering, den hver fotograf ønsket å få. Jeg tror det ikke er noen fremtredende reklamekampanje som enhver fotograf synes er verdt å gjøre i disse dager, selv om Gucci fremdeles ser ganske bra ut, for å være rettferdig.
Du fotograferte stjernene til Game of Thrones for tidsskriftet TIME nylig. Hvordan kom det til? Dette er ganske annerledes enn det du er kjent for. Gjorde du det som svar på at bransjen endret seg på en eller annen måte?
Jeg har gjort bilder i samme retning intermitterende i karrieren min. Det var et bilde jeg kalte Like a Painting for Italian Vogue i 2008, og dette ble inspirert av en renessansemaler kalt Pisanello. Game Of Thrones-prosjektet i 2017 ble for det meste inspirert av en nordrenessansemaler kalt Lucas Crannach, men også litt inspirert av Albrecht Dürer, den andre store maleren fra nordrenessansen. Jeg er i stand til å hente inspirasjon fra filmer, bøker og maleri, og jeg elsker kunsthistorien; hvis det er inspirerende, er jeg ganske glad for å ta en referanse fra noe som er 500 år eller mer. Jeg tror det er alltid viktig å ta et Miles Aldridge-spinn til det, så jeg vil aldri ville gjøre en direkte kopi av et maleri - jeg synes ikke det er interessant. Jeg liker alltid å ta med et element av mine mer kjente verk, selv om det har en eldgammel eller antikk referanse.
På Game Of Thrones-skytingen jobbet jeg veldig hardt med scenografen for å ha stoffer som var mer valmue, med en bredere fargepalett, for å gi en slags moderne vri på disse historiske bildene. Fordi GOT er fantasi og fiksjon, basert i dette parallelle universet, prøvde jeg å tenke på en måte å gjøre portretter både enkelt og som gruppeskudd som refererte til hva GOT handlet om, men også å legge til noe annet. Så å knytte den til denne nordlige renessansetradisjonen med disse veldig enkle portrettene, med ett symbolsk element som en blomst eller et fruktstykke. Det er et veldig kjent Leonardo da Vinci-maleri av en jente som holder på en vassel, for eksempel.
"Hvis det er inspirerende, er jeg ganske glad for å ta en referanse fra noe som er 500 år eller mer."
Miles Aldridge
Det var slike regler, så lenge jeg adopterte dem, kunne jeg deretter tilpasse bildet med signaturbelysning, farge og klarhet. Det var noe jeg deler med disse artistene: de hadde et obsessivt øye for å spille inn detaljer. Måten jeg tenner på, og måten jeg bruker kameraet på, betyr at jeg fanger utrolig mye detaljer, i likhet med et nordrenessansemaleri fra den perioden.
Vil du si at malerier har større innflytelse på deg enn andre fotografers verk?
Jeg har absolutt blitt påvirket av andre fotografer som Helmut Newton, Guy Bourdain, Irving Penn og Richard Avedon. Jeg synes ikke bare bildet de laget var interessant, men også hvordan karrieren deres flyttet mellom å jobbe for magasiner og personlige prosjekter. Avedon jobbet med utstillinger og bøker, og det samme gjorde Newton og Bourdain. Avedon gjorde også mye politisk arbeid. Jeg synes karrieren deres er inspirerende, og noen av bildene deres er virkelig fantastiske, men jeg tror at hvis du bare henter inspirasjon fra andre fotografer, vil du sannsynligvis bare være litt vellykket med det taket.
I stedet for alltid å være fotograf, har jeg alltid ønsket å bli filmskaper eller regissør, og jeg var alltid veldig inspirert av bildene jeg kunne se på kinoen. Da jeg fikk sjansen til å bli fotograf, selv om jeg hadde andre fotografer som noen av heltene mine, var jeg veldig spent på at jeg også kunne gjøre bilder som føltes som stillbilder fra filmene jeg elsket. Eller en sammenblanding mellom en kopi av Vogue og en film, som en film, men modellen ville ha på seg noe som var viktig for bladet, og det hele ble noe nytt. Og det er sannsynligvis grunnen til at det er interesse for arbeidet mitt, fordi det ikke bare refererer til andre fotografer tidligere, renessansen, eller til og med bare kinoen. Jeg har et skjærlignende sinn, ser noe på ett sted og noe annet fra et annet, og bygger deretter et bilde som er personlig, men som også refererer til andre ting jeg er interessert i.
Når det gjelder filmproduksjon, vet jeg at du har regissert noen musikkvideoer tidligere. Er det noe du forestiller deg mer av? Eller kanskje flytte inn i spillefilmer?
"Da jeg fikk sjansen til å bli fotograf … var jeg veldig spent på at jeg også kunne ta bilder som føltes som stillbilder fra filmene jeg elsket."
Miles Aldridge
Jeg vil aldri si aldri, men jeg gjorde popvideoene før jeg til og med tok opp et kamera, så det er sannsynligvis for omtrent 25 år siden nå. Jeg var veldig heldig at jeg falt i den karrieren, og jeg gjorde det i et par år. Jeg var ikke veldig god, og folk var veldig tålmodige med meg - de la meg i utgangspunktet rote med et filmkamera. Men jeg lærte mye om å gjøre det. Jeg lærte mye om å bygge sett og lage disse filmrommene. Jeg lærte litt om belysning fra å snakke med kameramenn jeg jobbet med. Jeg lærte også om å administrere en stor gruppe mennesker, et stort sett på et stort skudd. De fleste av disse videoene hadde omtrent 30 personer som gjorde forskjellige oppgaver, og på skuddene mine nå er det sannsynligvis like mange mennesker. Det er alltid en ganske stor produksjon.
Jeg synes det var veldig nyttig å få meg til å stille spørsmål om jeg virkelig ønsket å bli filmskaper, fordi jeg syntes det var veldig vanskelig å sette en signatur på bildet når jeg gjorde popvideoer. Da jeg var fotograf, følte jeg at jeg kunne gjøre noe der jeg virkelig hadde signert det, som om det var mitt bilde. Jeg synes filmproduksjon er en mye mer samarbeidsprosess; du må virkelig jobbe med filmfotografen som regissør, og de kommer til å ha stor innflytelse på hvordan alt ser ut. Du må gi slipp på en del av din egen estetikk. Så fordi jeg gjorde det først og syntes det var litt av en kamp, da jeg kom til fotografering, hvor jeg egentlig var regissør, produsent og kameramann på en gang, følte jeg at jeg hadde denne autonomien som jeg ikke hadde hatt før .
Jeg likte også måten fotografiene ble sett på, som jeg mener i et magasin. Da jeg begynte å gjøre mer arbeid, begynte de å bli inkludert i bøker og gallerier, og nå er de til og med på museer. Og jeg likte det sammenlignet med en popvideo, som den gang bare ble sett på TV. Nå vil du se det på YouTube, kanskje på iPhone. For meg var sluttresultatet noe jeg var interessert i. Jeg var veldig glad for å gjøre noe som skapte en utskrift, noe som varte, noe som var vakrere å se på enn på en TV-skjerm eller en iPhone, som jeg tror ubehagelig måte å se ting på.
På det punktet, hvis det var en artist jeg likte som ønsket en popvideo, og det var frihet til å være kreativ, ville jeg være interessert. Men akkurat som alle disse andre tingene vi snakker om, tror jeg musikkbransjen har fått tarmene revet ut av det økonomisk, så du vil slite.
Du snakker på The Photography Show i år. Hva har du planlagt?
Jeg leker fremdeles med det jeg vil diskutere, men jeg har kalt det 'Color av Miles Aldridge'. Jeg synes farge er et uendelig fascinerende emne innen fotografering. Jeg elsker å samle gamle fotobøker og blader, og se hvordan fargene har utviklet seg i forskjellige filmaksjer gjennom fotografiets historie.
"Jeg tror at hvis du bare henter inspirasjon fra andre fotografer, vil du sannsynligvis bare være mildt vellykket med det taket."
Miles Aldridge
Den åpenbare her å diskutere er Kodachrome. Gjennom 1940- og 1950-tallet, og til og med 1960-tallet, var den tonale rekkevidden til den filmen ekstraordinær, og den skapte en kjøttfarge som har vært veldig vanskelig å replikere siden. Jeg skyter på fargenegativ Kodak-film, og prøver å behandle den i etterproduksjon for å gi den samme kvalitet som jeg elsket fra de tidlige fotografiene.
Jeg skal diskutere hvordan farge har en effekt på bildet, og hvordan farger fungerer i fotografering for meg. Når jeg for eksempel tenner et motiv, liker jeg å sette et element blått eller grønt i skyggene, så det er en slags kulde i skyggene, og litt mer varme i høydepunktene. Så jeg skal snakke om subtile ting som det, og også hvordan en blokk med farger kan ha en utrolig effekt på bildet når det kolliderer med en annen, og hvordan jeg tar det inn i bildet ved å jobbe med scenografene mine, lage - opp artister, stylister og frisører i forkant av opptaket. Mellom oss samarbeider vi og lager en palett.
Jeg maler ofte akvareller og lager skisser på forhånd, og med det kan jeg visualisere hvordan et fotografi vil bli. Jo mer jeg gjør det, desto mer selvtillit har jeg til skytingen at fargene vil henge sammen, og gir en god estetikk. Jeg vil ikke bare gjøre noe som føles trygt og hyggelig. Jeg vil heller legge til noen flere farger og lage en mer destabilisert palett. Det er det jeg prøver å få, noe som ved første øyekast kan være litt for mye, men når du jobber med det, er du i stand til å orkestrere det og komponere det slik at noen av fargene du ikke trodde kunne fungere til slutt jobbe. Jeg tror det er slik du lager moderne bilder.
Jeg er alltid klar over fortiden, enten det er et renessansemaleri fra fem hundre år siden eller en David Lynch-film fra 1980-tallet. Jeg har en stor katalog med visuelle referanser, men disse vil bare ta deg så langt - jeg tror du virkelig trenger å eksperimentere. Du kan eksperimentere i fotostudioet til en viss grad, men når du er i et studio med ytterligere 30 personer, vil du ikke ha alle som venter på deg. Så jeg prøver å gjøre mye av det på forhånd alene.
Vil du si at samtalen din vil være mer fordelaktig for noen som tar portretter og ønsker å få en bedre forståelse av farger? Kanskje noen som vil eksperimentere og ta kreative risikoer?
Kanskje ja. Åpenbart tror jeg foredraget vil appellere til folk som liker arbeidet mitt. Jeg er ikke sikker på hvordan jeg kan påvirke dem med hensyn til deres egen karriere - det er virkelig opp til dem å ta noe fra arbeidet mitt, på samme måte som jeg har tatt brikker fra Avedon og Newton og så videre. Forhåpentligvis vil det også være noen gode historier der inne. Karrieren min har vært en lang interessant møte med forskjellige mennesker og prøvd å få ting til å skje. Det hele har vært veldig gøy, men det gjøres ikke i vakuum. Det er gjort med mange andre mennesker.
Jeg antar at mange mennesker ikke nødvendigvis setter pris på hæren til mennesker som får dette bildet til å fungere. De ser bare fotografenes navn og tenker på det som deres.
Muligens, ja. På slutten av dagen må fotografen signere den. Det er en samarbeidsinnsats, og deres arbeid er veldig verdsatt, men det er fotografen som må signere det, og det lever eller dør av fotografens talenter.
Hvilket sett pleier du å bruke?
Jeg skyter ganske mye utelukkende på et Rolleiflex 6008-kamera. Objektivene jeg pleier å bruke med det kameraet, er et 90mm-objektiv, som er min objektiv, og det er et 120mm-objektiv som jeg også bruker mye. Det er de to jeg hovedsakelig bruker. Jeg bruker også et 180 mm objektiv hvis jeg trenger å zoome mer inn, og jeg går sannsynligvis så bredt som en 50 mm.
Jeg skyter med Broncolor-belysning, og alt er blits. Jeg liker Flooter som de lager (over), som er en versjon av en Hollywood Frenel.
Jeg skyter på Kodak Ektar 100 ASA-film. Jeg skyter ikke så mye digitalt, men når jeg gjør det, pleier jeg å skyte på en Leica S med noen førsteklasses linser. Jeg synes Leica har en bedre filmisk gjengivelse enn de andre merkene.
Miles Aldridge vil tale på The Photography Show 20. mars. Klikk her for mer informasjon og for å bestille billetter