Baked Beans på Weetabix har gått bananer på sosiale medier, takket være en glimrende markedsføring av to giganter fra frokostmatbransjen. Twitter har eksplodert med folk hashtagging, snapping og deling av bilder av sine egne bønner og 'bix concoctions - men hvis du vil at tweeten din skal trend, må du ta noe som er verdt å retweeting!
Det er her noen klassiske tips om matfotografering kommer til sin rett. Ja, den nåværende hashtag mania er litt tullete moro, men det betyr ikke at det ikke er verdt å ta litt tid på å sette opp et skikkelig skudd og gjøre ting ordentlig - og et flott fotografi er langt mer sannsynlig å bli viral enn et kornet trykk på telefonen din!
Matfotografering har fått en ny livsstil de siste årene. Det er ikke lenger nisjevernet til kokebøker og menyene på billige restauranter - sosiale medier har gjort matfotografering til en av de mest populære sjangrene i kunstformen, med matlaging (og til og med spising) av måltidet ofte sekundært.
• De beste linsene for matfotografering
• De beste bøkene om matfotografering
Den nåværende lockdown-situasjonen gjør matfotografering til et enda mer tiltalende valg for frustrerte fotografer som ikke kan reise inn i den virkelige verden. Med litt mer enn kjernekamera-settet og kjøkkenflatene, kan du lage noen virkelig smakfulle bilder.
Mens de generelle prinsippene har mye til felles med stilleben og produktfotografering, har skyting av mat mange fallgruver. Uansett trenger du solide grunnlag for fotografisk teori og teknikk - og åpenbart gjør øvelse mester! Akkurat som å lage din favorittrett, kan det være mye mer komplisert å få ting akkurat.
For å få deg på rett spor med å fange dine kulinariske kreasjoner, kom vi inn på kjøkkenet med profesjonell matfotograf Ewen Bell for å undersøke både utstyret og nøkkelferdighetene for å få bilder som er like mye en fest for øynene som de er for mage…
Se merHvorfor skal brød ha det gøy når det er Weetabix? Serverer @HeinzUK Beanz på bix til frokost med en vri. #ItHasToBeHeinz #HaveYouHadYourWeetabix pic.twitter.com/R0xq4Plbd0 9. februar 2022-2023
1. Arbeid i godt lys
Den vanligste feilen er å prøve å skyte nydelig mat i dårlig lys. Kameraer ser lys, ikke motiver, selv når motivet er deilig!
Matfotografering begynner alltid med lyset. Det perfekte lyset er mykt, rikelig og vinklet. Du vil ha mye lys å leke med, men du vil definitivt ikke at direkte sollys strømmer på scenen; det er for tøft og for kontrasterende. Det beste bordet i restauranten har vindussetet, med sterkt dagslys utenfor og bare filtrert lys som kommer gjennom.
Dette scenariet gjør vinduet til en stor softbox, og fyller bordet med nyttig lys som gir en rekke skytevinkler. Utgangspunktet er å skyte i en vinkel over lyskilden. Den vinkelen gir tilstrekkelig kontrast til å avsløre detaljer i scenen, og bringer fargene opp. Du trenger ikke fylle ut motsatt side av scenen med et sprettbrett eller utfyllingsblits, fordi du kan lyse undereksponerte områder av råbildene når du behandler filene - det er ofte raskere og mer presist å finjustere tune råfilene enn å prøve å få det perfekte kameraet.
Når du endrer vinkelen, skaper du en annen kvalitet på lyset til scenen. Jo mer du skyter inn i lyset, desto mer kontrast og drama bygger du. Fargerikdom blir redusert, svarte er herdet, og noen områder kan til og med blåse ut, og det er akseptabelt for formålet, hvis drama er det du leter etter.
Alternativt, når du endrer vinkelen slik at lyset kommer litt mer bak deg, fylles scenen mer inn og kontrasten flater ut. Ved å kontrollere vinkelen du skyter i forhold til vinduet, kontrollerer du også kontrast og farger - selv når lyset er veldig, veldig mykt.
Det spiller ingen rolle hvor fantastisk maten din ser ut på en tallerken hvis lyset ikke fungerer for deg - god mat i dårlig lys gir mislykkede bilder. I riktig lys kan derimot nesten hvilken som helst scene få innbydende utseende.
2. Redigere dine bilder
Behandlingen av Raw-filene dine er like viktig som opptaket. De mest naturlige fargene skyldes ofte at de går lett på metningen, eller til og med trekker litt tilbake på den; hvis du sliter med fargebalanse, er det sannsynlig at du har metningen ringt opp for høyt.
I veldig flatt lys kan det hende du må støte på kontrasten litt for å gi hardhet til kantene - å legge til kontrast bare i den svarte enden av histogrammet, vil bidra til å bevare toner andre steder i scenen.
I tillegg kan skyggedetaljer løftes for å balansere scenen. Sørg for å bruke selektive justeringer for å legge til eksponering eller flere skyggedetaljer hvis kritiske elementer går tapt i skyggen.
3. Vurder blits
Problemet med å stole på naturlig lys når du skyter mat er at det ikke alltid er så naturlig. Fargekast kan kastes over scenen av trær utenfor, innvendige lys kan tilføre fargeflekker i rommet, og skybevegelse gjennom dagen kan føre til dramatiske endringer i kontrast og fargetemperaturer.
Du får aldri et pent, rent hvitt lys med mindre du tar med deg ditt eget. Flash-utstyr gir fotografering konsistens og reduserer prosessinnsatsen. Pålitelige lysstråler gir den nøyaktige fargen og mengden lys fra en ramme til den neste. Hvis du fotograferer innhold over flere dager, men trenger utseendet og følelsen av hver ramme for å være konsistent, er studioblits veien å gå.
Bortsett fra å være veldig praktisk og pålitelig, blir du frigjort til å konsentrere deg om kreativiteten når du har fått kontroll over blitsutstyret ditt. Skala er kritisk her. Akkurat som vi nyter mykt, rikelig, vinklet lys i vindussetet på en restaurant, prøver vi å oppnå det samme resultatet i studioet.
En stor softbox kreves, drevet av en tilstrekkelig dyktig lyskilde. 100 W med blits er mer enn nok til å skyte en bordscene og hente ut inspirasjonsmomenter i den.
Batteridrevne flashguns kan gjøre jobben, men du brenner gjennom batteriene, og de er smertefulle sakte å regenerere når strømmen tømmes. For samme pris som en anstendig flashgun kan du kjøpe monoblocksett som tilbyr en plug-in-enhet med en innebygd mottaker; bare koble til strømnettet og skyv utløserenheten på kameraet ditt, så er du klar.
En pålitelig lyskilde er viktig, og det er også hensynet til hvordan du vil forme lyset. Softbokser for matfotografering skal være veldig store og tilby sjenerøse mengder intern diffusjon. Du må komme softboxen nær scenen, så nær som mulig for å holde lyset så diffust som mulig.
Hvis de lysformende boksene dine ikke er myke nok, og for mye kontrast kommer til scenen, kan du bare legge til en ekstra diffus skjerm mellom maten og blitsen.
4. Stopp bevegelse
Konsekvent belysning fra studioblitzutstyr er perfekt for å lage korte stop-motion-klipp av trinnvis montering eller presentasjon av et fat.
Lås kameraet på et stativ, og lås av fokus og eksponering - du trenger at disse er de samme for hver scene. Gjør små justeringer mellom rammer for å etterligne en scene i bevegelse.
Behandle råfilene til perfeksjon før du sender ut de enkelte rammene, og ta stillbildene inn i videoredigeringsverktøyet ditt, og bruk myke overganger for å glatte bevegelsen.
5. All magien skjer på 50 mm
Synsfeltet fra et 50 mm-objektiv er det søte stedet for still-life-fotografering, inkludert mat. Når synsfeltet ditt blir bredere, for eksempel 35 mm, begynner du å få perspektivproblemer, og jo bredere du skyter jo nærmere du trenger å komme, noe som kan overdrive perspektivet ytterligere. Det blir også vanskelig å kontrollere bakgrunnen med et bredere objektiv; du vil ikke alltid at resten av rommet skal trekkes inn i rammen.
Å begrense synsfeltet med et teleobjektiv kan også være et problem. Lengre brennvidder, for eksempel 100 mm, komprimerer scenen - du kan miste dybdefølelsen, og komposisjonene dine kan se flate ut. Lengre linser skaper også logistiske problemer når du jobber i trange rom, da du kanskje ikke har plass til å trekke deg langt nok for et skudd.
Alt fungerer mye bedre når du starter med 50 mm. Hvis du skyter på en fullformatssensor, er den andre fordelen med 50 mm at det er mange rimelige primærpriser på markedet.
En blenderåpning på f / 2 er ideell, og det er fristende å bruke en 24-70mm f / 2.8 hvis du allerede har en, men da vil du ikke nyte den fulle effekten av et førsteklasses objektiv på f / 2 - og du må også håndtere en stor, klumpete linse som kan være en trøkk på den kreative prosessen.
Tilsvarende linse for APS-C-kameraer er en 35mm f / 1.4, eller for mikro-fjerdedels kameraer en 25mm f / 1.4. jo mindre kamerasensoren din er, desto større dybdeskarphet får du ved et gitt f-stopp, så det kan være lurt å eksperimentere med å gå helt til f / 1.4 i stedet for f / 2 med disse mindre kamerahusene. Forskjellen mellom f / 2 og f / 2.8 er betydelig for bakgrunnsbokeh, og den er enda mer uttalt ved f / 4.
Å skyte grunt handler om å bringe oppmerksomhet til ett element i scenen, og i hvilken grad du smelter bort resten av scenen er viktig for komposisjonen din.
Din dybdeskarphet utvides når du også trekker deg tilbake fra motivet, så jo større scenen du skyter på 50 mm, jo lenger sør må du kanskje slippe f-stoppen for å få ønsket grad av uskarphet.
Å skyte på f / 4 kan se dramatisk ut når rammen din er på størrelse med en tekopp, men den gir ingen innvirkning når du går tilbake for å fange en fullstendig borddekning.
6. Vurder skala
Når vi har en linse i hånden, har vi en tendens til å fortsette å tråkke innover, og prøve å stramme komposisjonen ved å kutte ut alle tingene vi ikke vil ha i scenen. Dette er en reduktiv prosess. Vi ender med veldig forenklede komposisjoner, og aner ikke hvor vi gikk galt.
Trikset med å bygge rikere og mer detaljerte komposisjoner med stilleben og mat er å trekke seg tilbake og bringe mer inn i rammen, ikke mindre. Det handler ikke bare om en annen linse, det er et annet perspektiv; å tenke større er bedre. Vi blir besatt av hva som er på tallerkenen, uten å innse at det er en større scene som tilbys.
Når du går litt tilbake, finner du at du skyter på bordet, ikke parabolen. Nå har du muligheter for komposisjonene dine. Gå tilbake litt lenger, så har du en restaurant, ikke bare bordet. På hvert skaleringsnivå får du forskjellige alternativer for komposisjon.
Å gå tilbake lar deg sette parabolen i en større sammenheng, med plass til å inkludere en følelse av sted. Når du jobber i studio, er det en vanlig feil å holde skalaen liten. Å begrense deg til en brøkdel av en benk, eller et lite stykke kryssfiner du malte for å se ut som forvitret tømmer, begrenser også kreativiteten din.
For store resultater må du tenke større enn en brødboks. Utvidelse av skalaen til skytsonen gjør det også mulig å gi plass til flere retter. En plate tilbyr langt færre alternativer enn to eller tre.
Med multipler av samme tallerken på et bord eller studiobenk skaper du potensialet for lagvise komposisjoner. Når du beveger deg rundt, finner du bilder på scenen, og disse multiplene av en rett gir deg flere øyeblikk av inspirasjon.
7. Inkluder litt handling
Stilleben trenger ikke være stille når det kommer til mat. Få litt bevegelse inn i scenen, og vekke den til liv. Å fange bevegelse i scenene dine gir innvirkning på god komposisjon - for eksempel å helle væsker, damp som stiger av varme retter, eller rett og slett dryss av salt på en tallerken.
I tillegg er tilberedning av mat og menneskene som tilbereder det gode elementer å inkludere i en fotoserie. Rotete er magi; en følelse av kaoset på et kjøkken, eller ingredienser på en arbeidsbenk, gir interesse.
8. Stil skuddet
Å bygge en interessant komposisjon krever et spekter av tilnærminger, med matstyling i den ene enden og fotojournalistikk i den andre. Du kan enten lage den eksakte scenen du vil ha fra bunnen av ved hjelp av rekvisitter og styling, eller du kan se etter øyeblikk i en scene som allerede eksisterer i den virkelige verden; de beste resultatene kommer ofte fra en kombinasjon av de to.
Styling er en dedikert ferdighet - på en kommersiell shoot kan stylisten faktisk tjene mer enn fotografen. Stylister leverer rekvisitter og ideer, og vanligvis hviler konseptet med den generelle skyte tyngst i deres hender.
Fotografen må ta ledelsen, manipulere lyset til deres fordel, og sørge for at den endelige scenen er teknisk kompetent.
Som fotograf er det en glede å jobbe med en god stylist, fordi de bærer så mye av den kreative belastningen. Med stylisten som forbereder scenen, kan du vie oppmerksomheten din til oppgaven med å finne den ideelle komposisjonen - for en person å håndtere både fotografering og styling kan være krevende, da hjernen din hopper mellom to oppgaver og du kanskje ikke være i stand til å fullføre hverken til din tilfredshet.
Når du tar bilder på stedet, er det viktig å vurdere hvor mye av den originale karakteren fra restauranten eller kjøkkenet du vil trekke gjennom i bildene. Fotojournalistikkens imperativer dikterer at du avslører naturen til motivet ditt, mens styling er et forsøk på å skape det gjennom kunst. I praksis er det alltid en grad av begge deler.
Jeg liker å 'skyte rundt scenen' når jeg besøker en restaurant eller et annet sted. Jeg ber personalet om å dekke bord som de ville for gjestene, og presentere retter med viner skjenket - jeg vil se hvordan de presenterer arbeidet sitt. Med et fullt kledd bord begynner jeg å lete etter elementer i scenen.
Jeg oppsøker en ‘helt’, og graver ut komposisjoner som trekker gjennom flere elementer. Og så kan jeg begynne å style bordet litt - ikke mye, bare litt. Jeg gjør justeringer, fjerner distraksjoner og legger til lag i bakgrunnen. Jeg gjør dette med lokasjonsskudd, og når jeg jobber med en stylist i studioet.
Å bringe disse to tilnærmingene sammen gir mangfold i bildene du kan samle, og åpner for innovative komposisjoner som er uventet givende.
9. Husk å bruke rekvisitter
Nøkkelen til god matstyling er å ha rekvisitter for hånden for å utfylle scenen. Hvis du planlegger å skyte mye i studioet, vil du begynne å samle noen interessante rekvisitter for å krydre scenene dine.
Ingredienser til en oppskrift kan brukes som rekvisitter, i tillegg til servise og servise. Folk kan også fungere som rekvisitter. Tenk på hender som er involvert i scenen, eller kanskje kjøkkenpersonalet som håndterer en tallerken - når du skalerer ut for å skyte bredere, får du plass til rekvisittene i komposisjonen.
Den rette støtten kan legge til kontekst i en scene, som en te med potter og kopper sammen med et stykke kake. Rekvisitter kan også brukes til å nøye legge til spesifikke farger til en scene som pynter på hovedmotivet.
10. Ta full kontroll
Det som gjør matfotografering så annerledes enn andre sjangere, er graden av kontroll du har over emnet. Du kan gjøre omtrent alt du liker på scenen - du kan til og med spise det! Det er enkelt å kontrollere lyset over en scene på størrelse med et bord, sammenlignet med å skyte et fullt studiosett eller vente på soloppgang over et landskap.
Mat trenger ikke å trekke en pose eller levere et uttrykk; den sitter der og tar stille imot oppmerksomheten uten å bevege seg. Innenfor grenser selvfølgelig - vær forsiktig med iskrem, da den kan smelte på få minutter hvis du ikke er klar for skuddet.
Omfanget og den livløse naturen til matfotografering betyr at du har gode muligheter for komposisjon. Det er en flott sjanger for å utforske bruken av farge, perspektiv og repetisjon.
Ikke føl at du trenger alle regnbuens farger fast i en enkelt ramme - prøv i stedet å jobbe med en begrenset fargepalett, og finn måter å gjenta farger gjennom scenen. Og bruk mer enn en tallerken i stylingen din, og dra fordel av større skala og større ideer.
Endre perspektivet ditt mens du skyter - prøv ovenfra og ned, men se etter forskjellige vinkler som avslører mer eller mindre av visse elementer.
Matfotografering egner seg til bundet fotografering, og det er lurt å jobbe med en bærbar datamaskin og tether-kabel når du er i studio eller på stedet. Det er en stor fordel i forhold til å bare se på kameraet, fordi du får mye bedre tilbakemelding på subtile variasjoner i bildene dine, og mer nøyaktig bekreftelse av hvor den lave dybdeskarpheten din treffer.
I tillegg gir klarheten til en stor bærbar PC-skjerm deg også bedre gjengivelser av komposisjonene dine, komplett med din foretrukne behandlingsbehandling når hver ramme ruller av kameraet. Hovedregelen er imidlertid å alltid starte med lyset - det spiller ingen rolle hvor interessant maten er hvis du ikke har godt lys. Sikt etter mykt, rikelig, vinklet lys.
Når du endrer perspektivet, kan du også endre lysvinkelen din - som å tilsette salt og pepper for å krydre en tallerken, og å endre vinkelen din er å finjustere følelsen av bildet.
De beste makrolinsene
Hvordan ta bilder magasiner og selskaper ønsker å bruke
215 fotograferingsteknikker, tips og triks for å ta bilder av hva som helst
De 50 beste fotograferings- og kameratilbehøret
